《中国绘画：五代至南宋》 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026
五代至南宋这近四百年时间，是《韩熙载夜宴图》《溪山行旅图》《千里江山图》《清明上河图》等传世名作涌现的时期，也是中国绘画史上一个特殊而关键的阶段：越来越多的画家脱离了寺庙和宫室壁画的集体创作，壁画与卷轴画形成新的互动关系；挂轴的产生以及对手卷形式的探索，催生出影响深远的构图样式和观看方式；中央及各地方政权的深度参与导致绘画创作的行政化和机构化，进而形成中国历史上从未出现过的综合性宫廷绘画系统…… 本书是著名美术史家巫鸿的全新力作，延续《中国绘画：远古至唐》的写作思路，吸纳考古美术的新近研究成果，聚焦五代至南宋时期各种类型的绘画作品及其媒材特征，关注多元背景下的绘画实践与跨地域交流，力图勾勒更加全面、立体的中国绘画发展脉络，多维度讲述中国绘画的新故事。
《中国绘画：五代至南宋》是一部聚焦于中国艺术史上关键转型期的学术力作，深入剖析了从公元10世纪到13世纪这四百余年间中国绘画的剧烈演变与辉煌成就。这一时期，中国社会经历了从纷乱到相对统一，再从统一到南北对峙的复杂政治格局变迁，绘画艺术也随之在继承唐代遗产的基础上，开拓出崭新的境界，奠定了此后近千年中国绘画的基本美学范式与流派脉络。本书旨在通过综合性的视角，将这一时期的绘画发展置于具体的历史、文化与思想语境中加以考察，揭示其内在的演进逻辑与不朽的艺术价值。
全书首先以五代时期为起点，探讨了西蜀、南唐等地方政权的宫廷画院建设如何为宋代画院的鼎盛奠定了基础，并重点分析了荆浩、关仝、董源、巨然等一代宗师的崛起。他们分别代表的北方雄浑山水与江南淡墨烟岚，不仅塑造了截然不同的地域风格，更在理论上建构了山水画的典范体系。与此同时，徐熙、黄筌开创的“徐熙野逸，黄家富贵”两种花鸟画风格，亦成为后世不断回溯与演绎的经典。这一分裂时期的艺术，反而因地域的差异而呈现出前所未有的多样性与创造力。
进入宋代，尤其是北宋，本书着重论述了宫廷画院制度达到顶峰所带来的艺术盛况。宋徽宗赵佶的个人趣味与大力推动，使得院体画在写实技巧、诗画结合与格物精神上臻于极致。以郭熙、李成、范宽为代表的山水画家，创造了全景式构图的宏大山水，表达了“林泉之志”的士人理想；而张择端《清明上河图》这样的风俗画长卷，则巨细靡遗地记录了繁华的市井生活，展现了绘画题材的社会性扩展。本书对这些代表作品进行了细致的图像分析与历史解读。
随着北宋覆灭，宋室南渡，中国绘画史迎来了又一个关键转折点。本书后半部分深入探讨了南宋时期绘画风格的显著变化。以李唐、刘松年、马远、夏圭“南宋四家”为代表的院画家，开创了构图简练、以虚代实、侧重边角之景的“剩水残山”式新风格，这种充满诗意与空灵感的美学，与偏安一隅的时代心境和江南的地理景观密切相关。与此同时，以苏轼、米芾等人理论为先导的文人画思潮，在实践中逐渐勃兴。本书专章讨论了文人画强调主观意趣、书法用笔与文学素养的特质如何开始动摇院画体系的权威，为元明以后的画史主流埋下了伏笔。
最后，本书不仅关注于名家巨迹，亦将视野投向壁画、版画等多元媒介，以及绘画理论、鉴藏风尚与对外交流等多个维度，力图呈现一个立体而完整的艺术史图景。全书资料翔实，配以大量精美图版，行文兼具学术深度与可读性，既可作为专业研究者的重要参考，也能引导普通读者深入领略五代至南宋这一中国绘画“黄金时代”的无尽魅力。通过这部著作，读者将清晰地看到，中国绘画如何在这一时期完成了从“再现自然”到“表现心源”的美学准备，从而深刻理解其在中国乃至世界艺术史上的永恒地位。
中国绘画：五代至南宋 点评
《中国绘画：五代至南宋》一书以宏阔的史学视野，系统梳理了这一中国绘画转型关键期的艺术流变。作者并未将论述局限于文人画兴起的单一脉络，而是将宫廷画院、士人绘画、宗教壁画乃至民间画工技艺置于同一历史语境下进行观照，揭示了这一时期绘画风格从“再现自然”到“表现心性”的深刻转向。书中对荆浩、关仝北方山水体系与董源、巨然江南画风的对比分析尤为精到，清晰地勾勒出地域文化对美学风格的塑造力，为理解两宋画坛“南北宗论”的渊源提供了坚实的历史注脚。
该著作对“院体画”的剖析突破了传统文人视角的贬抑，客观评价了北宋画院“格物致知”的写实精神及其美学成就。通过对郭熙《林泉高致》画学思想的解读，以及宋徽宗赵佶时期画院制度的考察，生动再现了宫廷艺术在技法严谨与诗意追求间取得的平衡。书中大量高清图版与细节分析，使读者能直观感受《早春图》《瑞鹤图》等杰作中精微的观察与精湛的技艺，充分肯定了院画在推动花鸟、界面等画科发展上的历史贡献。
在讨论南宋绘画时，本书敏锐地捕捉到“残山剩水”美学风格背后的家国情怀与文化心理。作者以夏圭、马远“边角之景”和马麟、林椿的细腻花鸟为案例，阐释了政治中心南移后，绘画构图从全景宏大叙事向诗意局部特写的收敛，以及其中蕴含的含蓄、内省的审美趣味。这种将艺术形式变迁置于社会历史剧变背景下的解读方式，深刻揭示了艺术不仅是技艺的展现，更是时代精神的视觉铭文。
该书对“文人画”理论的兴起与发展给予了重点关照，清晰梳理了从苏轼、米芾等人的艺术实践与品评理论，到南宋末年文人画观念逐步成形的过程。作者不仅分析了“墨戏”“士人画”等概念的内涵，更探讨了书法用笔、诗歌意境与绘画结合的自觉性如何重塑了中国画的评价体系。这部分论述衔接了五代荆浩的“笔墨”论与后世文人画主流，构成了理解中国绘画精神内核承上启下的关键环节。
值得一提的是，著作对少数民族政权下的绘画活动给予了罕见而必要的关注。如对辽、金、西夏绘画的专题论述，打破了以两宋为中心的单一叙事，展现了多民族文化交融背景下绘画风格的多样性与互动性。书中对辽墓壁画、金代山水画的分析，补充了这一时期中国北方绘画的图景，使读者得以窥见一个更为完整、立体的10至13世纪东亚艺术生态。
在研究方法上，本书体现了艺术史与社会史、物质文化史结合的跨学科特色。作者不仅分析风格与图像，亦深入探讨了绢帛材质、绘画装裱形式、收藏鉴藏活动以及艺术市场等物质与技术条件对绘画创作与传播的影响。例如，对宋代澄心堂纸、李廷珪墨等材料的提及，以及团扇、立轴形制与观看方式关系的分析，都极大地丰富了我们对这一时期绘画生产与消费情境的理解。
著作的叙述语言兼具学术严谨性与可读性，在复杂的历史脉络与专业术语中找到了良好的平衡。即便是对《溪岸图》真伪、《潇湘卧游图》作者归属等学术公案的处理，也能以清晰易懂的方式呈现各方观点与证据，引导读者思考艺术史研究的方法论本身。这种深入浅出的写作风格，使得本书不仅适合专业研究者，也能为艺术爱好者提供可靠的导引。
图版编排与文字论述相得益彰是本书另一大优点。精选的传世名作与考古发现图像，配合详细的局部放大与图解说明，使风格分析落到了具体的视觉实处。尤其是将不同时期、不同流派的作品并置对比，直观地展现了笔墨、构图、意境的时代演变，极大增强了论述的说服力与读者的审美体验。
当然，本书亦存在可商榷之处。例如，对某些画作的时代归属和阐释一定程度上沿袭了传统观点，对近年考古新发现与海外研究成果的吸纳或有补充空间。此外，虽然提及了禅画（如梁楷、牧溪）这一重要现象，但对其在东亚范围内的广泛影响及其与主流文人画关系的讨论尚可进一步深入。这些细微的不足，或许为后续研究留下了深化的切口。
总体而言，《中国绘画：五代至南宋》是一部材料翔实、脉络清晰、见解深刻的断代绘画史力作。它成功地将纷繁复杂的艺术现象编织进一个连贯的历史叙事之中，既肯定了这一时期在中国绘画史上承前启后的枢纽地位，也生动展现了其无与伦比的丰富性与创造力。该书不仅是了解五代两宋绘画的权威读本，其观察视角与研究方法亦对理解整个中国艺术史具有重要的启发意义。